FLAVIEN BERGER – DEDICATE 37

Contre-temps est ton deuxième véritable album, et ton cinquième long format si l’on prend en compte tes deux premiers EP de quarante minutes chacun et l’album gratuit Contrebande que tu as offert à tes fans pour Noël en 2015. As- tu une idée précise de ce que tu veux atteindre lorsque tu te lances dans la conception d’un disque ?
Non, parce que tout n’arrive pas au même moment. Il y a des choses qui sont là depuis longtemps et d’autres qui interviennent plus tard et viennent se greffer sur la fin du processus. Je sais dès le départ que j’ai un thème, et j’ai envie qu’un cycle soit bouclé à un moment ou un autre, pour qu’on puisse retomber sur ses pattes dans l’histoire développée par le disque. Mais je ne sais pas vraiment à quoi ça va ressembler à l’avance. Pour ce nouvel album j’avais depuis longtemps déjà l’idée de proposer un voyage dans le temps, mais je l’avais imaginé beaucoup plus technologique et scientifique que ça, un peu dans la lignée de Contrebande. J’avais dans l’idée de faire quelque chose qui soit basé sur un univers un peu SF et le résultat final est davantage ancré dans le quotidien, dans des sensations poétiques plus simples. Je pensais que mon vaisseau spatial serait un peu plus compliqué, pour tout dire (rires). J’ai fini par mettre de côté cette première intuition parce que j’ai trouvé d’autres terrains qu’il m’intéressait plus de creuser.

Ce nouvel album semble plus apaisé, plus cohérent et plus homogène que son prédécesseur, Léviathan. Voulais-tu inviter l’auditeur à vivre une évolution progressive plutôt que de lui proposer une “simple” collection de nouveaux titres?
Ça, c’est toujours le cas. D’ailleurs ça peut aussi être une autre réponse à ta question précédente : je pense toujours à ma musique comme à une évolution, ce qui ne signifie pas forcément qu’il y a une ascension ou une dynamique de montée. Ça doit juste aller quelque part, en partant d’un point pour arriver à un autre. Même si j’aime que certains albums puissent être un répertoire ou une suite de morceaux qui n’ont en commun que le fait d’avoir été conçus par la même personne sur une période donnée, en ce qui concerne ma propre musique j’imagine plus mes propres disques comme étant des histoires. C’est important pour moi qu’il y ait une forme de découpage en chapitres.

Pour moi, le charme majeur de ta musique tient au fait qu’elle est aussi frontalement expérimentale que viscéralement accessible. Est-ce que cette dualité est voulue de ta part ?
C’est vraiment une question que je ne me pose pas. J’avance avant tout par curiosité et par désir de faire apparaître des choses. C’est ce qui peut s’apparenter au côté expérimental dont tu parles. Je pense les sons en termes d’agencement entre eux et je me demande à quoi ça va ressembler quand je les mets ensemble. C’est une sorte d’expérimentation constante qui se rapproche un peu, dans l’idée, d’un atelier de curiosités. Après ça, le côté accessible vient du fait que je suis le substrat des musiques que j’ai écoutées, et que j’essaie de retrouver ce qui m’a plu en elles pour atteindre une dimension plus directe. Je ne me dis jamais à l’avance qu’il faut cumuler ces deux aspects, mais j’aime bien le fait qu’on ne pige pas forcément ce qu’on écoute et que quelque chose cloche, qui ne soit pas fait comme ailleurs. C’est très important pour moi de me démarquer d’une influence supposée pour vraiment écouter ce que je fais au-delà de l’idée préconçue de ce que je m’en fais moi-même. C’est vraiment le travail que j’ai fait sur ce disque-là : m’interroger systématiquement sur la présence et la nature du moindre son, pour savoir s’il est à sa place ou s’il doit être différent.

Est-ce que tu te laisses surprendre par la part accidentelle de ton travail avant de l’intégrer à ta musique ?
Ah oui, complètement. Au moment de la composition, il y a déjà une part accidentelle que je garde, qui fait partie intégrante du truc. Ensuite, la synthèse et la modification de sons ne tiennent que du hasard: je pioche dans des choses auxquelles je ne m’attendais pas. Je dois d’ailleurs dire que ce disque-là est assez déstabilisant pour moi, parce qu’à chaque fois que je l’entends je découvre de nouvelles choses, ce qui n’était pas forcément le cas pour les précédents. À chaque nouvelle écoute, je me retrouve un peu dans un état d’inconfort qui me fait le voir sous un autre angle.

Tu sembles aimer jouer avec les formats, pouvant t’astreindre à un format pop comme développer un morceau sur une vingtaine de minutes. Comment décides-tu qu’une idée vaut la peine d’être creusée sur la longueur ?
Pour ça je fonctionne uniquement par sensations. Ça passe par la micro-transe que peut provoquer et installer en moi une boucle. Par exemple, sur le morceau Contre-Temps qui donne son titre à l’album, il y a l’idée d’une promenade et d’une discussion où l’on ne sait pas très bien ce qu’on dit mais on prend le temps de le dire. C’est pour ça qu’il est long, et il l’était déjà à l’état de maquette, parce qu’il fallait qu’il tourne longtemps pour que je trouve toutes les parties mélodiques que j’y ai mises. Cette structure n’est justifiée par rien, si ce n’est que rien ne justifie de faire des choses courtes (sourire).

Tu as bénéficié d’une carte blanche au Festival Days Off de La Villette en juillet dernier, et collabores régulièrement avec tes amis du collectif Sin. En tant qu’artiste essentiellement solo sur scène comme sur disque, le partage avec tes pairs est-il quelque chose d’important pour toi ?
C’est même crucial, puisque j’ai l’impression qu’une dimension essentielle de mon travail est justement de le partager avec les autres. J’ai des idées dans la tête mais elles ne sont rendues possibles que par la conversation et par l’échange avec ceux avec qui je travaille. Dans le collectif Sin que tu évoques, il y a diverses personnes avec qui je travaille sur différents pôles : Juliette Gelli et Maya de Mondragon pour la pochette de Contre- Temps, Robin pour les vidéos et l’image. J’ai besoin de leur retour et de leur apport, à tel point que dès que je fais quelque chose, je suis même impatient de voir comment on va partager ça, et comment ils vont emmener les choses ailleurs. J’invite aussi des gens à venir chanter, par envie qu’ils fassent des choses auxquelles on ne s’attend pas. En tout cas c’est ce qui est arrivé avec ce disque. Tout ce qui est lié à la création est prétexte à faire des rencontres et collaborer avec des gens.

L’année précédente, tu avais par ailleurs participé aux albums de Maud Geffray et Etienne Daho. Est-ce que ces collaborations ont nécessité un effort d’adaptation de ta part à leurs univers respectifs ?
Je ne crois pas, non. Je pense au contraire que ce type de collaboration aboutit parce qu’il y a une pertinence dans l’invitation. Peut-être que ça n’aurait pas marché avec d’autres gens, mais je pense que les gens qui m’invitent le font parce qu’ils aiment bien ce je fais et qu’ils veulent que je leur en donne une part (sourire). Maud Geffray m’a fait venir, un peu comme un rappeur, pour poser ma voix sur un instrumental, et Etienne Daho savait dès le départ qu’il voulait que je fasse un chœur sur un morceau. Je suis intervenu en tant que chanteur, pas du tout en tant que compositeur, et c’était passionnant, car c’était la première fois qu’on m’invitait pour un “savoir- faire” musical, si j’ose dire. C’était très gratifiant.

Tes chansons sont à la fois très oniriques dans ce qu’elles dégagent et très réalistes dans ce qu’elles décrivent. Penses-tu que l’art a vocation à sublimer le réel, à l’emmener dans une autre dimension ?
Cette idée de dimension me paraît très importante, en effet. Je pense que mon dernier album est une sorte de relativisation et de prise de recul sur l’intensité des choses qu’on peut vivre. Le titre Brutalisme est assez emblématique de ça ; c’est une mise en relief de la place que prennent les sentiments, comparés à des choses qui nous dépassent complètement, dans des dimensions beaucoup plus grandes. Toute la question est de savoir ce qui se passe quand on zigzague entre les deux. Pour pouvoir “sublimer le réel” comme tu dis, je pense qu’il faut déjà être bercé par l’émotion du quotidien, par la moindre chose qui t’arrive, pour pouvoir la retranscrire en trouvant le mot et la note justes. En fait j’ai voulu faire un disque de science-fiction et je me retrouve avec un album de sensations (rires). Son titre, Contre- Temps, ne décrit pas la manière dont on pourrait remonter le temps mais plutôt la façon dont il se frotte à nous, comment on le sent passer.

J’ai le sentiment que tu fais partie d’une génération de musiciens qui ose plus de choses que les précédentes, notamment en bravant les barrières entre les genres. Comment vis-tu l’époque actuelle?
Je crois que chaque génération ose plus justement parce que les précédentes ont déblayé le terrain. Je vois vraiment le monde comme une fleur en train de s’ouvrir, un bébé qui n’en serait encore qu’à ses premiers balbutiements. Je suis vraiment quelqu’un d’optimiste, beaucoup de mes amis me disent que c’est de la naïveté, mais je crois vraiment en l’émancipation de l’humanité, je pense vraiment qu’on traverse l’équivalent d’une crise d’adolescence et qu’on va vers une forme de sagesse, même si ça prendra encore des siècles pour y parvenir. Pour ce qui concerne plus spécifiquement la musique, je pense que chaque genre sclérose les autres. Si je peux faire la musique que je fais aujourd’hui, c’est parce que j’ai réussi à m’émanciper d’un genre que j’écoutais quand j’étais adolescent, à savoir le hip-hop. Quand un jour tu te rends compte qu’au final, tous les styles s’influencent entre eux, tu te dis que l’étiquette d’un genre précis ne définit plus rien de pertinent.

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Merci à Lucie Alvaro, Elodie Haddad et toutes les équipes de la Cité de la Musique, 221 avenue Jean Jaurès, 75019 Paris